Cia dos Ditos Cujos

2009-07-22T17:09:00.000-07:00

2009-07-22T08:08:00.000-07:00

Por Fábio Hirata

Temporada Experimental "Por um Grão"

2009-07-20T17:49:00.000-07:00

POR UM GRÃO. Dramaturgia e Direção: Sidmar Gomes. Com André Grecco. Poema Cênico. Certa noite Marcelo, um artista plástico, acorda angustiado por não recordar do rosto que acompanha as diversas silhuetas dos corpos reais por ele ilustrados. Encurralado dentro de seu quarto sufocante, Marcelo refugia-se durante algumas horas da noite dentro de si mesmo tentando lembrar do rosto (alma) daqueles que pintou ao longo de seus 37 anos. Livremente inspirado na Obra do Poeta Alberto Caeiro. Duração: 50 min. Faixa Etária: A partir de 8 anos. De 02 a 30 de Agosto, Domingos às 17h30min. TEATRO COLETIVO. R$ 20,00. 50 Lugares.

Grão de Areia solitário
É areia ou apenas grão?
Disseram-me que existe humanidade
Mas o que sinto de onde vão
É que existem homens sim
Profundamente diferentes entre si
E assombrosamente separados uns dos outros
Por um espaço sem homens
Por um abismo sem fim.

FICHA TÉCNICA:

Dramaturgia e Encenação: Sidmar Gomes.
Intérprete-Criador: André Grecco.
Poéticas do Corpo e da Voz: Sidmar Gomes.
Desenho de Luz e Vídeo: André Coletti.
Pesquisa de Trilha Sonora: Cia. Dos Ditos Cujos.
Cenários e Figurinos: Cia. Dos Ditos Cujos.
Assistente de Direção: Rafael Meschiatti.
Visagismo: Sidmar Gomes.
Desenhos: Jean Richard de Oliveira.
Fotos: Fábio Hirata.
Operação de Som: Rafael Meschiatti.
Produção: Cia. Dos Ditos Cujos.
Assistente de Produção: Debora Rebecchi.
Vozes Infantis: Luana Padilla, Mariana Padilla e Natália Padilla.
Design Gráfico: Neto Villar.

2009-07-20T17:48:00.001-07:00

Por Fábio Hirata

2009-07-20T17:47:00.000-07:00

Por Fábio Hirata

2009-07-20T17:46:00.000-07:00

Por Fábio Hirata

2009-07-20T17:40:00.000-07:00

Por Fábio Hirata

POR UM GRÃO

2009-07-20T17:36:00.000-07:00

FALARAM-ME em homens, em humanidade,
Mas eu nunca vi homens nem vi humanidade.
Vi vários homens assombrosamente diferentes entre si,
Cada um separado do outro por um espaço sem homens.

Alberto Caeiro.

Objetivamos com a Temporada Experimental do Espetáculo Por Um Grão, juntamente com a realização do ciclo de discussões Teatro Contemporâneo: O Limite é Um Trampolim, o travar de uma reflexão sobre os caminhos pelos quais segue o fazer teatral nesse início de Século XXI, e as implicações éticas e estéticas que influenciam e são influenciadas por tais caminhos.
A Cia. dos Ditos Cujos, da Cooperativa Paulista de Teatro, formou-se pela união de um grupo de artistas interessados na pesquisa de um teatro de largas fronteiras etárias, ou seja, que possa ser apreciado por platéias compostas tanto por espectadores jovens quanto espectadores maduros. Assim, pretendemos o despertar de experiências estéticas e reflexões sobre as questões que permeiam o homem atual e que desconheçam idades e experiências de vidas específicas. Com a fruição de nosso primeiro trabalho, Amor que é de Mentira, ou Mentira que é de Amor?, iniciado em 2006, demos o primeiro passo desse que pretende ser um longo caminho.
Acreditamos que o teatro tem por objetivo suscitar reflexões acerca do ser humano, cabendo a seus fazedores formular por meio de linguagens cênicas diversos pontos de vista sobre o homem atual. A aspiração de um encenador a dar forma a uma intuição amorfa ou a uma percepção, quando transformada em acontecimento cênico é comunicada a pessoas de idades diferentes e conseqüentemente percebida de maneiras diversas, uma vez que cada indivíduo decodifica um sistema de signos a partir de sua própria vivência sócio-cultural.
O que legitima a reflexão acima apresentada é o processo pelo qual nasceu o Argumento que originou a dramaturgia de Por Um Grão.
A partir de uma sessão de Drama, desenvolvida com um grupo de crianças e jovens entre 09 e 13 anos de idade, alunos de um curso extracurricular de teatro, coordenado por Sidmar Gomes, e oferecido por um colégio particular de São Paulo, o dramaturgo encontrou o ponto de partida para a estruturação de Por um Grão.
O Drama, forma teatral desenvolvida inicialmente em países de língua inglesa, propõe um processo de construção de uma narrativa dramática, estimulando os participantes a conceberem teatralmente uma história. O Drama constitui-se, assim, em uma experiência que solicita a adesão e a cooperação dos diversos integrantes do grupo. Podemos compreendê-lo como uma forma de arte coletiva, em que os participantes (coordenador e grupo) assumem as funções de dramaturgos, diretores, atores, espectadores etc.
Como ponto de partida para essa sessão de Drama os alunos tomaram contato com um “baú mágico” que trazia em seu interior diversos bonecos de Playmobil, juntamente com um carro da mesma marca, e a figura de um homem sem rosto. A partir de uma série de proposições de jogos e improvisações teatrais,nasceu a narrativa de um homem que um dia acorda no meio da noite, senta na beirada de sua cama e começa a pensar em quantas pessoas havia conhecido ao longo de seus 37 anos. Chega a conclusão de que foram muitas, mas uma coisa o incomoda: é incapaz de recordar o rosto dessas pessoas, o rosto como alegoria de detalhes peculiares, como meio indispensável para o acesso daquilo que se determina como alma.
Torna-se evidente, ao longo das possíveis leituras acerca da narrativa construída, o entrecruzar-se de questões pertinentes tanto ao universo jovem quanto adulto, ambos mergulhados num panorama que traz como valor máximo o consumo e a efemeridade das coisas: tanto das relações materiais quanto das relações pessoais. Assim, a experiência do relacionar-se com seus pares encontra-se para a humanidade à semelhança de mercadorias a serem consumidas e descartadas logo em seguida.
Tal perspectiva, conforme a epígrafe de Alberto Caeiro, nos sugestiona o questionar-se sobre a real existência de humanidade na visão humanitária do termo. Para nós, essa visão não se prende primordialmente apenas à idéia de reunião de seres que apresentam características físicas comuns, mas sim de seres conscientes pertencentes a um grupo que entende que a natureza humana, até mesmo por uma questão de sobrevivência, pressupõe afeto e respeito entre seus pares.
A partir do que foi apresentado, objetivamos com esse trabalho a montagem do texto teatral Por Um Grão, escolhendo como caminho uma estética que explore a fricção entre a linguagem teatral e outras linguagens artísticas, como o cinema e a música.
Tal fricção tem por objetivo o encontro de uma encenação mergulhada no campo da poesia e do onírico, que se apresente como resistência à anestesia da percepção patrocinada pela sociedade de consumo. Percepção essa que, uma vez estimulada, convidará os espectadores, jovens e adultos, a refletirem sobre as relações efêmeras da contemporaneidade e a existência, decorrente dai, de um “projeto de humanidade” que parece nunca se efetivar.
Trata-se portanto, também, de uma batalha contra a segregação cultural, o que significa de certa forma, afirmando o teatro como espaço de debate de nossas questões, incluir efetivamente o público jovem nas discussões travadas acerca da atualidade.

SINOPSE DA PEÇA

O argumento bruto, fruto do processo de Drama relatado acima, recebeu adensamento poético e dramático a partir de sua fricção com a obra de Alberto Caeiro, heterônimo do poeta Fernando Pessoa. Tal heterônimo nos apresenta uma visão de mundo objetiva e natural, que questiona a existência da alma e considera a sensação como a única realidade: "Creio mais no meu corpo do que na minha alma...".
Dessa forma, o dramaturgo elege como forro narrativo de Por um Grão a história de um artista plástico, Marcelo, que se vale do mundo exterior como tipo de representação da realidade. Durante uma noite o personagem acorda angustiado por não recordar do rosto que acompanha as diversas silhuetas dos corpos reais por ele ilustrados. Uma existência que traz em si a vontade do conhecer-se a partir do tentar relembrar do rosto (alma) daqueles que pintou (se relacionou) ao longo de seus 37 anos. Encurralado dentro de seu quarto sufocante, o personagem refugia-se durante algumas horas da noite dentro de si mesmo. A partir de um devaneio fragmentado, o personagem nos apresenta informações que não se relacionam diretamente e que colocam o espectador ativo em dúvida se a representação é vivida (consciente) ou sonhada (inconsciente).
Na tentativa dessa reflexão sobre si e sobre a humanidade da qual dizem que Marcelo faz parte, a construção dramatúrgica vale-se da figura de um narrador - o mesmo intérprete que interpretará Marcelo - que em alguns momentos o observa e o analisa distantemente, como que submerso em um jogo de auto-análise, um observar-se de dentro e de fora demarcado claramente por algumas escolhas da encenação.
Assim, temos em Por um Grão o esquadrinhamento lírico-poético da história do personagem Marcelo, um processo de questionamento e reflexão disfarçado em uma narração monologada. Um texto que nos apresenta um personagem frente às memórias que o impelem a agir a partir da análise de sua situação. O tempo da narrativa é o presente, mas o tema da peça é a memória, a recordação/ação que não se efetiva. Dessa forma, a categoria de Por um Grão não é a da ação, mas a do estado ou situação que quando materializada pela encenação objetiva traduzir-se em um “poema cênico”.
Para Marcelo, ser artista é emprestar sua alma desconhecida às formas vazias do outro. A partir da alegoria das silhuetas de rostos esquecidos, das formas vazias do outro, pretende-se construir a metáfora máxima de tal dramaturgia: do rosto em seus detalhes peculiares como meio indispensável para o acesso daquilo que se determina como alma. Entendendo-se por esse termo algo único e íntimo, aquilo que vemos quando olhamos para dentro, quando olhamos para trás de nós - tomando de empréstimo as sensações de Alberto Caeiro, dada à liquidez das relações atuais.

CICLO DE DISCUSSÕES

2009-07-20T17:30:00.000-07:00

Teatro Contemporâneo: O Limite é um Trampolim.

Adorno, em sua obra A Teoria Estética, dissolve uma idéia tradicional nos estudos estéticos: a dicotomia entre forma e conteúdo. Em tal obra, apresenta que “a forma da obra de arte é conteúdo social sedimentado”. Dessa forma, os problemas não resolvidos da realidade, as contradições do real, entre força produtiva e relação social de produção, em suma, os antagonismos da sociedade “retornam às obras de arte como problemas imanentes da sua forma”, inscrevem-se na estrutura interna da obra artística como problemas imanentes a serem resolvidos.
Partindo desse pensamento, pretendemos com o “Ciclo de Discussões: Teatro Contemporâneo: O Limite é um Trampolim” o desencadear de reflexões edificadas sobre os caminhos pelos quais segue o fazer teatral nesse início de Século XXI, e as implicações éticas e estéticas que influenciam e, ao mesmo tempo, são influenciadas por tais caminhos.
Vale ressaltar que entendemos que no fazer artístico experimental torna-se incoerente a utilização do termo limite, uma vez que esse fazer edifica-se sobre o campo minado da experimentação, onde o pisar sobre uma mina não se configura em limite, mas sim em salto para o desconhecido.
Propomos que o Ciclo de Discussões seja dividido em quatro encontros que aconteçam logo após o espetáculo (com aproximadamente 60 minutos de duração). Para cada encontro pretendemos uma temática distinta, em que as discussões serão conduzidas por um convidado também diferente a cada dia. Somente os espectadores que assistirem ao espetáculo no dia em questão serão convidados para participar das discussões.
Pretendemos tratar dos seguintes temas nas diferentes discussões, conduzidas pelos seguintes convidados, respectivamente:

DIA 09/08: ENCENAÇÃO CONTEMPORÂNEA: A supressão das fronteiras entre as linguagens artísticas.

Convidada: Cibele Forjaz.

DIA 16/08: TEORIA TEATRAL: Teatro Pós-Dramático?

Convidado: a confirmar.

DIA 23/08: DRAMATURGIA CONTEMPORÂNEA: Novas Gramáticas.

Convidada: Marici Salomão.

DIA 30/08: TEATRO E PEDAGOGIA: O fazer teatral entre os muros da escolae sua relação com a produção teatral contemporânea.

Convidada: Maria Lúcia de Souza Barros Pupo.

2009-07-20T17:27:00.000-07:00

2009-07-20T17:10:00.001-07:00

2009-02-24T12:50:00.000-08:00

Amor que é de Mentira, Ou Mentira que é de Amor?
REESTREIA
Centro Cultural São Paulo - Sala Jardel Filho.
Sábados e Domingos às 16 h. Até 08/03/09.
Rua Vergueiro, 1000 - Paraíso - Fone: 3397-4002.

2009-02-24T12:43:00.001-08:00

Por Andrezza Gomes

Por Andrezza Gomes

Por Andrezza Gomes

Por Andrezza Gomes

Por Andrezza Gomes

Por Andrezza Gomes

Por Andrezza Gomes

Por Andrezza Gomes

2009-02-24T12:42:00.000-08:00

Por Andrezza Gomes

2009-02-24T12:08:00.000-08:00

Jornal "Pedaço Da Vila" - Edição 80 - 02/2009.

Por Gutemberg Tavares.

MENTIRA DE AMOR

A Cia dos Ditos Cujos da Cooperativa Paulista de Teatro, promove a reestréia da peça "Amor que é de Mentira ou Mentira que é de Amor?". Sob direção de Sidmar Gomes, o espetáculo que já foi exibido em 2007, inicia novo ciclo e está em cartaz no Centro Cultural São Paulo até 8 de março.

A história gira em torno do amor não correspondido que a triste lua nutre pelo mundo, e diante dessa situação três velhos sábios e muito divertidos procuram uma forma de suprir sua carência e assim vê-la irradiar novamente. Propondo uma reflexão sobre a carência pela qual a sociedade contemporânea vem passando, há a cena marcante em que uma criança sonha tornar-se uma televisão para que possa receber maior atenção de seu pai.

Mesmo inspirado no conto "O Casamento da Lua", do plural Vínicius de Moraes, a peça incorporou uma linguagem própria. A interação com público aliada à ótima representação dos atores - e a não menos brilhante trilha sonora -, fazem do espetáculo uma ótima opção àqueles que buscam divertimento com profundidade, encantando todas as idades!

Sábados e Domingos, às 16h. Inteira, 10 reais, meia 5 reais.

Centro Cultural São Paulo - Sala Jardel Filho: rua Vergueiro, 1000. Fone: 3397 4000.

http://www.pedacodavila.com.br/materia.asp?mat=915

2009-02-24T12:02:00.000-08:00

Nossos espectadores respondem:

- Amor que é de Amor!
- Amor que é de mentira. Porque vivemos vários amores que temos tanta certeza que
são verdades, mas acabam sendo tantas mentiras. E às vezes vivemos cotidianamente
verdadeiras mentiras que se tornam verdades e são camufladas através do amor.
- Depende da hora. Tem hora que o amor é de mentira e tem momentos que a mentira é
de amor.
- Amar de Mentira machuca, mentira de amor protege.
- Amor que é de Mentira, porque mentiras não são de amor.
- Mas vale uma mentira de amor que um amor de mentira.
- O amor é uma mentira maravilhosa de se afogar.
- Um grande mistério. Só desvendado pelos apaixonados.

Fotos Teatro Martins Penna

2008-04-22T19:33:00.000-07:00

Andrezza Gomes

Andrezza Gomes

Andrezza Gomes

Andrezza Gomes

Fotos Teatro Martins Penna

2008-04-20T17:01:00.000-07:00

Andrezza Gomes

Fotos Andrezza Gomes

Oficina

2008-04-11T06:44:00.000-07:00

Oficina de (DES)Montagem Teatral:
Em Busca de Um Olhar

O QUÊ: A partir do jogo com elementos da peça teatral Amor que é de Mentira ou Mentira que é de Amor? (texto, adereços, luz, figurinos, músicas etc.), os integrantes da oficina participarão de dinâmicas teatrais (jogos dramáticos e de improviso) tendo em vista o aguçar de suas sensibilidades para o olhar e o fazer teatral.

QUEM: Qualquer interessado, maior de 3 anos de idade, que tenha assistido ao espetáculo Amor que é de Mentira ou Mentira que é de Amor?

ONDE: Teatro Martins Penna. Dias 20 e 27 de Abril (Domingos) das 10 às 12 hs.

Inscrições: Enviar e-mail com nome e telefone para ditoscujos@yahoo.com.br,
ou comparecer pessoalmente no teatro Martins Penna nos dias 12,13 e 19 de Abril, das 14 às 18 hs.

“Brincar é condição fundamental para ser sério”.
Arquimedes

Reestréia: dia 15 de março de 2008.

2008-03-10T04:28:00.001-07:00

De 15 de março à 27 de abril de 2008.
Sábados e Domingos às 16:30 hs.
Ingressos: R$ 8,00
As apresentações de 15 e 16 de março serão gratuitas.

Teatro Martins Penna
Largo do Rosário, 20 - Penha - Tel.: 2293 6630

CLIQUE NA IMAGEM PARA AMPLIAR O FLIER

ATUAR DE DENTRO E ATUAR DE FORA: PODE UM PÁSSARO BICAR E OBSERVAR AO MESMO TEMPO?

2008-03-10T04:16:00.000-07:00

A terceira possibilidade de compartilharmos Amor que é de Mentira ou Mentira que é de Amor? com nossos espectadores efetiva-se a partir da ocupação do teatro Martins Penna, em São Paulo, de Março à Abril de 2008.
Para o cumprimento dessa temporada, alguns obstáculos se apresentaram: entre os mais desafiadores encontra-se o fato de termos de nos organizar a partir de uma nova ficha técnica, ou seja, a partir de novos integrantes no grupo, em substituição à dois antigos integrantes que não puderam assumir o compromisso dessa temporada. Para tanto, abrimos nosso trabalho a outros profissionais que por ele também se interessam, e, ao mesmo tempo, acabei por assumir mais uma responsabilidade dentro desse projeto: a da interpretação de um dos personagens da peça. Dessa forma, a partir do exercício de co-habitação entre a atividade de dirigir e interpretar uma personagem de um mesmo espetáculo, senti de forma profunda a premissa de Jerzy Grotowisk de que o ator deve ser ao mesmo tempo um pássaro que bica a outro que observa, afinal, ao mesmo tempo em que estava em cena, jogando com os demais atores, tive de ampliar minha visão para o todo também, como que observando de dentro e de fora da cena ao mesmo tempo. Isso acabou por exigir dos demais atores do grupo que ampliassem consideravelmente suas visões, inerentes à prática interpretativa, de dentro e fora do evento cênico.
Tal exercício trouxe-me a consciência de que essa necessidade de estar dentro e fora simultaneamente por parte do diretor pode ter sua parcela de perigo, pois necessita de sensibilidade a atenção ainda maiores por parte daquele que responde pelo desafio de organizar o caos artístico instaurado a partir do processo em curso. Contudo, quando o coletivo cênico atinge um estágio de maturidade em que o discurso artístico pretendido e suas inerentes escolhas estéticas são claros para todos os seus participante, o fato do diretor/ator estar dentro e fora ao mesmo tempo pode ser profundamente valioso, pois muitas questões que a visão que se limita a ver de fora não é capaz de encontrar respostas acabam sendo desvendadas! Assim, o acontecimento cênico apresenta-se de forma muito mais apropriada e consciente por parte de todos os integrantes do coletivo cênico, que necessitam estender seus olhares ao exterior para que supram a carência de uma direção que não mais tem seu foco totalmente voltado à essa tarefa.
Dessa forma, a partir do decantar dos frutos de um ano de apresentações, Amor que é de Mentira ou Mentira que é de Amor? reestréia, como que reoxigenado eticamente e esteticamente pela entrada e saída de novos integrantes do fluxo da vida que o rodeia.
A sensação que nos solapa é a de que a dicotomia disseminada por muitos entre processo e o produto teatral traduz-se como a conseqüência de uma visão limitada e fragmentária do fazer artístico: o microcosmo do produto (da apresentação pública) está inserido no macrocosmo do processo teatral.
Sentimos, a partir de 15 meses de um trabalho intenso que se debruça sobre um mesmo fim, que um processo teatral quando desencadeado, não se finda após sua apresentação pública, nem ao término do período da oficina ou ao início de outro processo de imersão teatral. Continua enraizado em sensorialidades que proporcionarão, a partir dessa experiência, insights que perdurarão por toda uma existência. Recordamo-nos de nossas outras experiências, amadoras, ainda na escola, e profissionais: quantas imagens, quantas sensações, quantas fichas ainda caem depois de tanto tempo... Dessa forma, não existe um processo que culmina em um produto. Existem sim processos que se somam, se relacionam e se poluem, e que mesmo após a possibilidade de serem enriquecidos por uma apresentação pública, ainda apresentarão possibilidades e necessidades de reoxigenação, sobrevivendo e apimentando excitantes existências.

Sidmar Gomes, diretor e dramaturgo Cia. Dos Ditos Cujos.
Março de 2008.

O ENCONTRO DE UM TEATRO SEM FRONTEIRAS ETÁRIAS

2008-03-10T04:14:00.000-07:00

Amor que é de Mentira ou Mentira que é de Amor? surge como o primeiro trabalho da Cia. Dos Ditos Cujos, formada por atores e músicos, alguns na época ainda envoltos pela atividade acadêmica, outros já não mais, preocupados/ansiosos/angustiados por mergulharem no campo minado da experimentação artística.
Hoje o grupo ultrapassa os 15 meses de convivência, e o caminho empreendido por um trabalho intenso alarga-se na fronteira existente entre o não apressado, mas evidente, amadurecimento e a ânsia pelo encontro de respostas que nem sempre são evidentes. Por meio do processo de criação inicial do espetáculo, bem como de sua primeira temporada, em decorrência da aprovação do projeto no Programa de Ação Cultural da Secretaria de Estado da Cultura de São Paulo, graças à qual a pesquisa pôde se desencadear, e de suas segunda temporada, no Sesc Ipiranga, em Setembro de 2007, algumas questões que nos angustiavam tiveram suas respostas reafirmadas e experimentadas na prática; outras acabaram por surgir dotadas da efemeridade que amadurece; já outras, antes inexistentes, surgiram e sem respostas continuam a nos bem atormentar.
De uma forma em geral, percebemos que nossa busca por um teatro sem fronteiras etárias não se caracteriza apenas na transposição do fazer teatral para além do "espaço convencional", ou seja, apresentando-o em lugares e horários que compreendam diferentes faixas etárias. Tal busca demanda, principalmente, um cuidado e uma sensibilidade muito grande em sua produção. Um processo que entendemos como a busca por uma estética universal, que se preocupa com temas e concepções cênicas desprovidas de referências rígidas de espaço e tempo, que leva em consideração o suscitar de perguntas e reflexões pertencentes a diversas faixas etárias; e que encontra sua principal pertinência na riqueza do conflito gerado a partir do contato entre a visão cinza do adulto e a visão colorida da criança, que enxerga por cima de tons de vidas brancas, cinzas e pretas matizes de cores infinitas.
Tal trabalho aos poucos define-se a partir da integração entre diferente linguagens artísticas, como o teatro, a dança, as artes plásticas e principalmente a música; da não-formulação de um discurso didático e da não-preocupação com faixas etárias, mas da essência da arte e do ser humano, com seus sonhos e contradições.
Por meio desse percurso fica evidente que, os espectadores do espetáculo Amor que é de Mentira ou Mentira que é de Amor?, compreendidos por crianças, jovens, adultos e terceira idade, ou seja, pessoas com graus distintos de vivência social e cultural, de acordo com suas diferentes possibilidades de apreciação, chegam a viver momentos de grande prazer por meio da elaboração das significações que mais lhe falam de perto.
E mesmo que as crianças ou os adolescentes “não peguem muita coisa”, ou que nesses indivíduos as sinapses não se deflagrem por inteiro, ou seja, por mais que não compreendam tudo, é fato que o público jovem é surpreendido e interrogado por meio do mergulho em uma ficção elaborada com extremo cuidado artístico, ampliando dessa forma de modo sensível suas referências sobre si mesmos e sobre os outros. Imagens dotadas de profunda poesia, que nem sempre encontram significação, uma vez que as atuais experiências de vida de alguns espectadores são insuficientes para que sejam capazes de executar tal nível de explicitação, mas jamais impedirão a apreciação e o encantamento. Uma vez essas poesias em imagens são gravadas na memória, certamente um dia serão decodificadas. E isso se efetiva enquanto arte em sua plena potencialidade, o compreender do mundo de forma gradativa ao longo do calmo degustar de uma existência.
Nosso teatro tem como um dos objetivos principais suscitar reflexões acerca do ser humano, cabendo a nós, artífices teatrais, formular, por meio de uma constante pesquisa da linguagem cênica, diversos pontos de vista sobre o homem atual. Nossas aspirações em dar forma a uma intuição ou a uma percepção, quando transformadas em acontecimentos cênicos são comunicadas a pessoas de idades diferentes e conseqüentemente percebidas de maneiras diversas, uma vez que cada indivíduo decodifica um sistema de signos por meio do conflito entre a realidade objetiva da obra de arte e sua própria vivência sócio-cultural. Quanto mais sentidos uma obra de arte possibilita, ou seja, quanto mais leituras ela permite, mais plena ela é. Classificar por faixas etárias é limitar, e a arte desconhece limites de significação.
Contudo, essa característica só é alcançada porque não nos preocupamos, ao longo de nosso processo de criação, com idades específicas, mas sim com o diálogo entre seres humanos dotados de sensibilidade, levando em consideração que anos de vida e grau de sensibilidade não são fatores diretamente proporcionais. Forte apelo musical e visual, dando grande peso a imagens ao invés da verborragia, pesquisa estética que poetiza sobre questões que permeiam diferentes vivências culturais, sociais e temporais, o entendimento e valorização da essência sensível do ser humano, edificados sobre o solo do extremo cuidado em sua produção, são alguns dos recursos identificados para que esse teatro sem fronteiras etárias seja alcançado. Não apenas para que um teatro sem fronteiras etárias seja alcançado, mas, principalmente, para que o público jovem, por meio de uma produção teatral de qualidade, e por isso possibilitada de se ver livre da marginalidade, participe efetivamente do movimento teatral e, entendendo o teatro como uma constante reflexão sobre as questões que permeiam a humanidade, participe dos debates sobre as circunstâncias da atualidade.
Algo que se tornou evidente aos nossos olhos a partir desse trabalho foi o fato de que: a infância é da ordem do “faz-de-conta”; o teatro, por sua vez, também é da ordem do “faz-de-conta”; portanto, o teatro é da ordem da infância, e o adulto, por questões que transcendem o entendimento racional, é incapaz de recusar um convite sincero e sensível à possibilidade de resgatar dentro de si a criança adormecida que há tempos esqueceu o prazer inerente ao brincar de “faz-de-conta”.
Antes de terminarmos, faz-se necessário esclarecermos e ressaltarmos alguns pontos anteriormente já tratados. Aos ouvidos de muitos, também preocupados com as questões que permeiam a criança, a existência de um teatro destituído de fronteiras etárias pode soar como uma idéia que endossa o declínio e o conseqüente “desaparecimento da infância”.
Contudo, a busca por um teatro sem fronteiras etárias não pretende transformar a criança em um adulto em miniatura, nem o adulto em um ser de idade avançada infantilizado. Reconhecemos a existência de um universo que permeia a idade adulta e de outro universo que permeia a idade infantil, dicotomia essa evidenciada principalmente por fatores biológicos, que determinam o avanço do ser humano de um nível de desempenho físico e intelectual para o seguinte. Esse fato tem como conseqüência a existência de formas distintas, mas nem por isso de importâncias e valores díspares, de se enxergar e se relacionar com o Universo maior que compreende tais universos particulares, à priori tão diferentes.
Reconhecemos também a possibilidade da existência de um teatro só para crianças e outro só para adultos, mas questionamos a real eficiência de uma modalidade artística assim bipartida, uma vez que quando um artista profere seu discurso, um discurso edificado sobre o campo do sensível, inerente a qualquer ser humano, ele o comunica a pessoas de idades diferentes que o interpretam de formas diferentes, ou seja, o artista não tem o controle sobre o processo dialógico estabelecido a partir de sua criação. Dessa forma, classificar uma obra de arte de acordo com faixas etárias específicas se traduz em uma postura que beira a arrogância, tendo como conseqüência possíveis distorções profundamente comprometedoras, como por exemplo, uma visão “infantilizada” da infância.
Idade adulta e infância compreendem universos distintos, mas que se cruzam constantemente. Tal entrecruzar se dá principalmente por perguntas que a criança já faz e que estão profundamente relacionadas ao universo que a idade adulta compartilha. É exatamente nesse entrecruzar de existências que mergulhamos, procurando uma estética que suscite respostas repletas de encanto, curiosidade e exuberância característicos do olhar infantil, para as perguntas que existem, mas jamais para as perguntas nunca feitas.

Sidmar Gomes, diretor e dramaturgo Cia. Dos Ditos Cujos
25 de Fevereiro de 2008

O DIÁLOGO COM O PÚBLICO

2008-03-10T04:10:00.000-07:00

Desde o princípio, e pelo intensificar, a cada apresentação, do compartilhar direto com o público, percebemos que o diálogo entre a poesia existente em Amor que é de Mentira ou Mentira que é de Amor? e seus espectadores acontece, e que o desencadear de experiências estéticas, de compreensão do mundo por meio dos sentidos, efetiva-se e traduze-se pelo brilho do prazer, encanto e quietude que alternaram-se nos olhos dos espectadores das mais diferentes faixas etárias que compõem as platéias de Amor que é de Mentira, ou Mentira que é de Amor?. Quietude que nos chama a atenção, pois segundo Orlandi (1997): “o silêncio é profundidade; as palavras movimento periférico”. Em um mundo em que a mudança e o caos são valores constantes e de grande peso, o silêncio torna-se zona de suspensão de um mundo que às vezes nos cansa e magoa. Para o mesmo Orlandi, o silêncio é “matéria significante distinta da linguagem”.
A constatação do embeber-se da poesia e do encontro de diferentes significados para os signos presentes em Amor que é de Mentira ou Mentira que é de Amor? aconteceu por meio do questionar curioso e indireto, por parte da equipe artística da Cia. dos Ditos Cujos, aos espectadores ao final de cada apresentação de nossa primeira temporada. A seguir transcrevemos trechos de conversas que tecemos com alguns espectadores:

Entrevistador: Relate para mim alguma parte da peça que você que assistiu e gostou.
Bruno, 10 anos: Ah... A última parte, quando eles brincam de cabra-cega.
Entrevistador: O que você acha dela?
Bruno: Ah... Não sei... Mostra que a gente tem que ser amigo uns dos outros. Ah, mais ou menos isso!
Parque da Independência, 04/02/07.
___________________

Entrevistador: A partir do que você assistiu: Amor que é de Mentira ou Mentira que é de Amor?
Ludinéia, 31 anos: Amor que é de Amor! Tudo foi real, é assim que acontece, foi muito lindo.
Entrevistador: Fale para mim alguma parte da peça que você gostou.
Tâmara, 10 anos: A parte do amor. Aquela que a mulher ficou jogando um monte de coisas e eles ficaram adivinhando.
Entrevistador: A partir do que você assistiu: Amor que é de Mentira ou Mentira que é de Amor?
Leandro, 28 anos: Amor que é de mentira. Porque vivemos vários amores que temos tanta certeza que são verdades, mas acabam sendo tantas mentiras. E as vezes vivemos cotidianamente verdadeiras mentiras que se tornam verdades e são camufladas através do amor.
Parque do Piqueri, 01/04/07.
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Entrevistador: A partir do que você assistiu: Amor que é de Mentira ou Mentira que é de Amor?
Douglas, 45 anos: Que pergunta filosófica, heim?! Mas eu diria que o amor é de mentira, porque nós interpretamos o amor. O amor é interpretável de acordo com a pessoa e com o momento, ele não fixo, ele não é extremamente real. Ele se enquadra de pessoa em pessoa, logo ele não existe, ele é de mentira.
Nina Truck, 76 anos: Depende da hora. Tem hora que o amor é de mentira e tem momentos que a mentira é de amor.
Hugueta Sendacz, 74 anos: Muito bem, achei linda essa definição. De fato tudo depende do momento, da pessoa com quem você está próxima, das circunstâncias, e o amor é lindo, sempre lindo, mesmo quando é uma mentira!
Parque da Luz, 14/04/07.

Sidmar Gomes, diretor e dramaturgo Cia. Dos Ditos Cujos.
18 de Outubro de 2007.

DEVE HAVER DIFERENÇA NA FORMA DE UM ATOR REPRESENTAR/INTERPRETAR QUANDO O ESPECTADOR É UMA CRIANÇA E QUANDO É UM ADULTO?

2008-03-10T03:55:00.000-07:00

A questão trazida à tona por esta pergunta é muito maior e muito mais profunda do que se pode pensar a princípio, pois sua resposta merece um mergulho naquilo em que um adulto difere de uma criança. Ter assuntos voltados à criança, e assuntos voltados ao adulto, literatura especializada, teatro especializado, interpretação voltada ao público infantil, são reflexos de uma sociedade que separa a infância da fase adulta. Quanto a isso, ofereço outra questão: foi a infância descoberta ou inventada? Talvez, ela tenha sido “descoberta” biologicamente pela psicanálise, porém, esta só foi “descoberta” a partir do momento em que se começou a se exigir da criança algo que esta não conseguia cumprir. Antes disso a questão era irrelevante. Sendo ela inventada, a situação se torna mais delicada, pois sendo ela um artefato social se coloca em questão a exacerbação e valorização de sua existência. Inventada, ou descoberta, sabe –se que é datada, e surge com a prensa tipográfica no século XVIII. Antes disso é impossível pensar na segregação de adultos e crianças, pois estes partilhavam do mesmo ambiente de informação, para acessá-la não havia restrição, ela vinha através de narrativas de contadores de histórias. Com a prensa tipográfica, surge o homem letrado, e para se ter acesso à informação era necessário aprender a ler. A partir disso começou-se a perceber que era necessário um tempo dedicado ao letramento dos novos, dessa forma surge a infância que separada os adultos, aqueles que sabem ler, das crianças, aquelas que não possuem o domínio da leitura. Esta perspectiva nos oferece certa liberdade de agir, e um questionamento sobre o que é oferecido às nossas crianças, já que a infância não é algo que sempre esteve aí, podemos reformulá-la e questioná-la, procurando formas de incluí-la ao invés de excluí-la da sociedade. E nos permite pensar nas razões que um ator tem em mudar a sua interpretação se diante de uma platéia adulta ou infantil, para que mesmo? Será que os gregos pensavam nisso? Até que ponto um ator que diferencia a sua interpretação de acordo com o público não o exclui? Talvez a intenção seja o contrário, mas pode acabar por excluir seu público da possibilidade de ver e pensar em coisas novas e excitantes.

Priscilla Carbone, atriz Cia. Dos Ditos Cujos. Abril de 2007.

Em Busca de Um Teatro Sem Fronteiras Etárias

2007-09-03T11:23:00.001-07:00

A Cia dos Ditos Cujos forma-se a partir da união de jovens artistas preocupados com uma mesma questão: será possível a existência de um teatro destituído de fronteiras etárias? Ou seja, é possível formar-se a platéia de um espetáculo compondo-a de espectadores de diferentes idades e bagagens de vida, que compreendam o mundo por meio de seus sentidos aguçados pela celebração cênica à qual estão inseridos?

A arte desconhece classificações etárias. Seria preconceito, como nos lembra o teórico alemão Walter Benjamin, entendermos as crianças como seres tão diferentes dos adultos, dotados de existência tão incomensurável à nossa. Um artista, quando dá forma artística a uma intuição ou percepção, é incapaz de controlar o modo como será decodificada, comunica seu discurso a pessoas de idades diferentes, que consequentemente são tocadas de formas diferentes, sob o aspecto que mais lhe fala de perto. Quanto mais sentidos uma obra de arte possibilita, mais plena ela é. Classificar um espetáculo por faixas etárias significa limitar sua compreensão, e a arte desconhece limites de significação.

Ampliando essa discussão para além do campo teatral, nosso trabalho encontra sua essência na integração entre diferentes linguagens artísticas, como as artes plásticas e a música. Ele parte da não-formulação de um discurso didático e da não-preocupação com faixas etárias, mas da essência da arte e do ser humano, com seus sonhos e contradições. Dessa forma, a Cia dos Ditos Cujos inicia seu caminho. Traçado sobre o solo da poesia, e que hoje se revela por meio do compartilhar o espetáculo Amor que é de Mentira ou Mentira que é de Amor?.

PARQUE VILLA LOBOS - 12 e 13 de Maio

2007-08-24T13:55:00.000-07:00

PARQUE ESTADUAL HORTO FLORESTAL - 28 e 29 de Abril

2007-08-16T18:08:00.000-07:00

Edson Marco

PARQUE DA JUVENTUDE - 21 e 22 de Abril

2007-05-16T17:17:00.000-07:00

Um novo desafio

A partir de um conto de Vinícius de Moraes construir texto e encenação, que fossem desprovidos de barreiras etárias, para o teatro de rua, conhecido por todos mas nunca executado pela maioria dos integrantes da Cia. Dos Ditos Cujos. Estava lançado o desafio.

Usando como referência a nossa própria infância, esquecida lá atrás, começava a ser trilhada essa nova experiência.

Em nossos primeiros ensaios, buscamos a construção dos corpos (personagens) e partituras físicas que contariam essa estória. A partir de um intenso treinamento em diferentes técnicas, como a máscara neutra de Jacques Lecoq, os pressupostos das “ações básicas de esforço” propostos por Rodolf Laban, e as referências de Etienne Decroux, escalas corporais, partituras de movimento, mímica subjetiva, figuras de estilo, contrapesos e andares, propúnhamos à direção possíveis narrativas físicas, que posteriormente eram afinadas em prol da coerência entre corpo e texto, texto esse criado ao mesmo tempo que o espetáculo, por meio de diversos estímulos captados e filtrados por nossa imaginação e criatividade.

Exaustivos ensaios para a conclusão da peça se seguiram. Cada componente do grupo trabalhando em seu limite. Dessa forma, muitas vezes os nervos estiveram à flor da pele e os ânimos se esquentaram. Contudo, esse tipo de experiência foi necessária para o reconhecimento grupal, a afinação dos discursos e o compartilhar de um trabalho bem feito, rico em detalhes.

A rua, via pública para a circulação urbana de pessoas que passeiam ou trabalham, espaço com interferência constante de sons e imagens. Ser mais uma interferência nesse espaço de forma que saibamos aproveitar as outras interferências ao nosso redor e à nosso favor foi, e ainda é, um grande desafio. Desafio tão grande e excitante quanto mudar a rotina das vidas que por essas ruas caminham, fazendo com que se desconectem do frenesi do dia-a-dia e se deleitem frente à um espetáculo teatral. “Ir aonde está o público”. Acho essa frase clichê, mas é a forma que encontramos para atingirmos novas camadas sociais. Saber aproveitar essa transição, esse vai e vem de pessoas, nos dá a possibilidade de colocarmos em contato o TEATRO e cidadãos de todas as idades, que por diversos motivos, financeiros, culturais, dentre outros, muitas vezes nunca tiveram a oportunidade de dialogar com um evento artístico.

Vale a pena relatar brevemente uma das que foi a mais significativa e marcante de todas as apresentações realizadas. Trata-se de uma das apresentações que aconteceram no Parque da Juventude.

“Não vai dar”... Pelo menos era o que eu imaginava quando vi o tempo fechando, a semana tinha sido chuvosa e o pior, o horário das chuvas coincidiam com o horário das apresentações.

As simpatias para Santa Clara e orações para São Pedro, não foram suficiente para conter as lágrimas que escorreram pontualmente as 16:00 horas.

Com o céu aos prantos, algumas pessoas se foram com o vento e outras ficaram.

Confesso que a chuva tinha me brochado, que pensei em não apresentar, mas lembrando dos olhares que nos esperavam, chamamos o “Anjo” e fomos. Apresentamos embaixo de uma marquise, onde algumas pessoas nos esperavam. O mais incrível foi a forma que o jogo ocorreu, em um espaço cênico bem menor que o de costume. Ficamos grudados junto ao público, nos reorganizamos para que tudo acontecesse da melhor forma, e aconteceu: nunca compartilhamos nossa arte de forma tão dilatada e jamais sentimos tão de perto o contato com aqueles para quem nosso fazer se destina.

Um público receptivo que comprou a fábula apresentada, deixando-se permear por seus conflitos, por suas reflexões... Muitas vezes apresentavam-se aflitos frente aos acontecimentos mostrados, outras radiantes frente à história da qual participavam também. Crianças e adultos compartilhavam de um mesmo prazer.

Percebi que não importa a idade, mas sim, se permitir viver o que é proposto. Uma linguagem poética que chega sorrateiramente e te toma pelos sentidos, de forma que a palavra torna-se desnecessária para o entendimento. Entendimento?

Uns mais, outros menos, mas todos saborearam da mesma fonte.

Fábio Hirata, ator da Cia. Dos Ditos Cujos

MATERIAL DE DIVULGAÇÃO

2007-05-15T06:57:00.000-07:00

JORNAL O RETRATO

JORNAL FOLHA DE SÃO PAULO

A GAZETA DA ZONA NORTE

METRÔNEWS

JORNAL ESTADÃO

PARQUE DA LUZ - 14 e 15 de Abril

2007-05-03T11:30:00.000-07:00

Nil França

PARQUE PIQUERI - 25de Março e 1 de Abril

2007-04-25T19:21:00.000-07:00

A melhor parte de apresentar em parques , (além de conhecermos mais áreas verdes na cidade de São Paulo) é poder compartilhar o nosso trabalho com pessoas que não tem acesso ao teatro, por não ter condições ou pura preguiça criada pela praticidade do controle remoto.

Tirar essas pessoas de suas rotinas fazendo com que elas deixem suas atividades pré-estabelecidas para acompanhar uma convenção teatral e se emocionarem com isso é muito gratificante.

Com a apresentação do dia 1 de Abril nos despedimos da Zona leste.

Hideshiro Kakuda Jr.

Hideshiro Kakuda Jr.

Hideshiro Kakuda Jr.

PARQUE DO CARMO - 11 e 18 de Março

2007-04-25T18:14:00.000-07:00

11 de Março, alguém lá em cima esqueceu a torneira aberta, esperamos alguma melhora... mas não teve jeito apresentação adiada por causa da chuva.

19 de Março, apesar do mal tempo São Pedro deu uma forcinha soprando as nuvens para bem longe...fizemos duas apresentações umas das 10:30 e a outra 16:00.

Fotos: Frederico

PARQUE DO IBIRAPUERA - 25 de Fevereiro e 04 de Março

2007-03-14T06:16:00.000-07:00

Hideshiro Kakuda Jr.

Hideshiro Kakuda Jr.

Hideshiro Kakuda Jr.

PARQUE GUARAPIRANGA - 10 e 11 de Fevereiro

2007-03-14T06:09:00.000-07:00

Hideshiro Kakuda Jr.

PARQUE DA INDEPENDÊNCIA - 3 e 4 de Fevereiro

2007-03-10T14:24:00.000-08:00

ESTREIA

Depois de 7 meses apresentamos ao mundo nossa menina dos olhos...
Céu azul, nuvens e um público diversificado que respondia com furor aos acontecimentos antes testados só em ensaio.

(Fabio Hirata)

Nil França

Nil França

Fotos

2007-03-08T10:25:00.000-08:00

Nil França

Hideshiro Kakuda Jr.

Amor que é de Mentira ou Mentira que é de Amor?

2007-03-08T07:40:00.000-08:00

A partir da questão abaixo apresentada, encontramos a rua como o lugar mais democrático para que o trabalho se efetivasse. Contudo, logo de início, percebemos que, a busca por um teatro sem fronteiras etárias não se caracteriza apenas na transposição do fazer teatral para além do "espaço convencional", ou seja, apresentando-o em lugares de acesso a diferentes faixas etárias. Tal busca demanda, principalmente, um cuidado e uma sensibilidade muito grande em sua produção. Um processo que entendemos como a busca por uma estética universal, que se preocupa com temas e concepções cênicas desprovidas de referências rígidas de espaço e tempo, que leva em consideração o suscitar de perguntas e reflexões pertinentes a diversas faixas etárias. Para tanto, escolhemos o solo arenoso do discurso amoroso para dar os primeiros passos desse longo percurso, que teve como ponto de partida o conto O Casamento da Lua, de Vinícius de Morais.
Três divertidos e sábios velhinhos gastam seus dias em torno da investigação das oscilações “sentimentais” da Lua. Ao longo dos anos percebem que ela se torna cada vez mais pálida. Até descobrirem o real motivo: sua profunda paixão pelo Mundo. Porém este ignora o amor da pretendente. Identificado o impasse, os velhos planejam a inseminação artificial do triste corpo celeste e a Lua torna-se cheia: está grávida. Ao cabo dessa gestação florescerão emoções, fertilidade e frutos, ou seja, o Universo como um todo será tocado. No entanto, após essa explosão de vida, tudo retorna à normalidade, inclusive a carência amorosa da Lua, até que um dia voltem a notá-la.
As reflexões surgidas a partir da procura por dar forma cênica ao conto de Vinicius de Morais originaram um segundo plano de narrativa. Por meio da explicitação da convenção teatral, esses divertidos velhinhos resolvem brincar de ser outros personagens: há o menino que tem como sonho tornar-se um aparelho de televisão para conseguir maior atenção de sua mãe; a garota hipocondríaca e a mulher que encontra no chocolate a superação da carência amorosa que a angustia. Essas personagens revelam a representação das precárias relações afetivas que norteiam as vidas de hoje, relações dotadas de extrema solidão e fragilidade, que procuram uma aparente superação nos artifícios bolados pela “genial” mente humana. Contudo, medidas artificiais e efêmeras. A materialização cênica das intuições e percepções dos artistas criadores do processo, efetivou-se por meio de um constante brincar. A partir de estímulos materiais e sensíveis propostos pela direção os atores tornaram-se interpretes e criadores dessa realidade, contribuindo para que a escrita da peça fosse elaborada paralelamente à criação do espetáculo.
Pensamos Amor que é de Mentira ou Mentira que é de Amor? em conjunto, rebuscando em cada integrante do processo sua essência sensível, sem nos preocuparmos com faixas etárias, grupos específicos ou sociais, mas com a comunicação sincera e o compartilhar de uma reflexão sobre o homem e as contradições de seus sentimentos e relações, sejam esses “sentimentos” dotados das experiências que forem.

Sidmar Gomes, Jan/07